Con uno dei brani più noti della storia della musica, l’Orta Festival Orchestra diretta da Amedeo Monetti, con la presenza di tre solisti di rango, torna a inaugurare Venerdì 3 luglio questa nuova edizione.
La Morte e la Fanciulla è un tema iconografico presente nella cultura artistica dell’Europa centrale fin dal Medioevo e molto caro ai Romantici. Il poeta Matthias Claudius ne fece un dialogo in versi, musicati da Schubert nel celebre Lied, la cui melodia con variazioni appare nel movimento lento del sublime Quartetto D 810. Gustav Mahler ne stilò una trascrizione per orchestra d’archi datata 1894 che, lasciandone intatta la felicità melodica e l’aura venata di malinconia, si ammanta di vigore sinfonico.
Il concerto prosegue con un salto all’indietro di più di cento anni, con l’esecuzione dei Concerti brandeburghesi n. 3 e 5 di Johann Sebastian Bach, considerati tra le opere più straordinarie del compositore tedesco. Un’occasione unica per immergersi nella bellezza di questi due grandi capolavori della musica.
With one of the most famous works in the history of music, the Orta Festival Orchestra, conducted by Amedeo Monetti and featuring three distinguished soloists, returns to inaugurate this new edition of the Festival.
Death and the Maiden is an iconic theme deeply rooted in the artistic culture of Central Europe since the Middle Ages, and especially cherished by the Romantics. The poet Matthias Claudius transformed it into a poetic dialogue, later set to music by Franz Schubert in the celebrated Lied, whose theme with variations reappears in the slow movement of the sublime String Quartet D 810. In 1894, Gustav Mahler created a transcription for string orchestra which, while preserving the melodic beauty and melancholy aura of the original, enriches it with symphonic power and intensity.
The concert then takes a leap back of more than one hundred years with performances of the Brandenburg Concertos Nos. 3 and 5 by Johann Sebastian Bach, considered among the most extraordinary works of the German composer. A unique opportunity to immerse oneself in the beauty of these two great masterpieces of music.
Che un festival di musica d’arte da camera ospiti un concerto di musica swing è ormai una normalità, poiché lo swing appartiene a pieno titolo alla musica d’arte.
Lo swing americano ebbe tra i suoi più illustri rappresentanti il grande clarinettista Benny Goodman, a sua volta legato alla musica d’arte; si pensi che eseguì in prima mondiale la Sonata per clarinetto e pianoforte di Francis Poulenc con Leonard Bernstein al pianoforte.
Aggiungiamo poi che la presenza di Rossano Sportiello è una caratteristica quasi esclusiva della nostra manifestazione, di cui andare particolarmente fieri, tanto più che egli stesso afferma che Orta Festival occupa ormai un posto speciale nella sua sempre fitta agenda. Newyorkese d’adozione (vi risiede da 20 anni), formatosi in Italia, è considerato dalla critica internazionale uno dei top stride piano player a livello mondiale.
Un concerto di Sportiello è «un’esperienza unica, un salto nel tempo della storia del jazz, un viaggio sonoro da ascoltare in silenzio quasi religioso e con il sorriso, poiché la sua musica è eleganza, fluidità, nitidezza, swing: una sorta di Fats Waller del XXI secolo».
Domenica 5 luglio, nello speciale omaggio al mondo dello swing che ha pensato per noi, avrà al suo fianco il clarinettista Alfredo Ferrario. Artista dotato di grande sensibilità, tecnica strumentale ed eccellente gusto jazzistico, considerato tra i migliori clarinettisti swing italiani e invitato nei più prestigiosi festival europei e d’oltreoceano, ha collaborato con artisti storici come Sammy Price e Ralph Sutton.
The fact that a chamber music festival presents a swing concert is now entirely natural, as swing rightfully belongs to the realm of art music. Among the most distinguished representatives of American swing was the great clarinetist Benny Goodman, who himself maintained a strong connection with classical music. It is worth recalling that he gave the world premiere of the Clarinet Sonata by Francis Poulenc, with Leonard Bernstein at the piano.
Furthermore, the presence of Rossano Sportiello is an almost unique feature of our festival, one of which we are especially proud. This is all the more significant as Sportiello himself has stated that Orta Festival now occupies a special place in his ever-busy concert schedule. A New Yorker by adoption, having lived there for the past twenty years, and trained in Italy, Sportiello is regarded by international critics as one of the world’s leading stride pianists.
A Sportiello concert is «a unique experience, a journey back through the history of jazz, a musical voyage to be enjoyed in almost reverential silence and with a smile, for his music embodies elegance, fluidity, clarity, and swing: a kind of twenty-first-century Fats Waller».
In the special tribute to the world of swing that he has created for us, Sportiello will be joined by clarinetist Alfredo Ferrario. An artist of remarkable sensitivity, outstanding instrumental technique, and refined jazz taste, Ferrario is widely regarded as one of Italy’s finest swing clarinetists. A guest at some of the most prestigious festivals in Europe and overseas, he has collaborated with legendary musicians such as Sammy Price and Ralph Sutton.
Da oltre venticinque anni è uno dei più noti e autorevoli pianisti europei: da quando, nel 1996, il terzo posto al prestigioso Concorso di Leeds innescava una carriera che ha proiettato Aleksandar Madžar nelle sale da concerto internazionali e lo ha portato a esibirsi sotto la guida di grandi direttori d’orchestra del nostro tempo, da Iván Fischer a Paavo Järvi, da John Nelson ad André Previn e Marcello Viotti.
Come solista, Madžar si è esibito ovunque in Europa, da Berlino a Londra, Roma, Firenze, Milano, Amburgo, Duisburg, ed è protagonista dei maggiori festival, primo fra tutti quello di Salisburgo. Torna a trovarci Venerdì 10 luglio in un concerto che lo vedrà impegnato nella duplice veste di solista e camerista.
Una prima parte vedrà in cartellone quattro Sonate di Domenico Scarlatti, frutto straordinario della musica italiana per tastiera nel XVIII secolo, per passare a tre Novellette op. 21, tra le più ispirate e felici opere di Robert Schumann.
La prima parte del concerto si chiuderà con L’isle joyeuse di Claude Debussy (1904), che dichiarò di aver qui riunito ogni possibile modo di suonare il pianoforte «mettendo insieme forza e grazia». La partecipazione di Matteo Pigato al violoncello sarà motivo di arricchimento al programma, rendendo possibile l’esecuzione della monumentale Sonata per violoncello e pianoforte di Sergej Rachmaninov (1901), opera fascinosa, densa di colori drammatici e ricca di effetti virtuosistici.
For more than twenty-five years, Aleksandar Madžar has been regarded as one of Europe’s most distinguished and respected pianists. His international career was launched in 1996, when he won Third Prize at the prestigious Leeds International Piano Competition, a success that opened the doors to major concert halls around the world and led him to perform under the baton of some of the most renowned conductors of our time, includ- ing Iván Fischer, Paavo Järvi, John Nelson, André Previn, and Marcello Viotti. As a soloist, Madžar has appeared throughout Europe, performing in major musical centres such as Berlin, London, Rome, Milan, Hamburg, and has been a guest at some of the continent’s most prestigious festivals, foremost among them the Salzburg Festival.
We are delighted to welcome him back for a concert in which he will appear both as soloist and chamber musician. The first half of the programme features four Sonatas by Domenico Scarlatti, extraordinary examples of eighteenth-century Italian keyboard music, followed by three of the most inspired and poetic pieces from the Novelletten Op. 21 by Robert Schumann. The first part of the concert concludes with L’isle joyeuse (1904) by Claude Debussy, a work in which the composer claimed to have brought together every possible way of playing the piano, combining «strength and grace».
The participation of cellist Matteo Pigato will add a further dimension to the programme, making possible the performance of the monumental Sonata for Cello and Piano by Sergei Rachmaninoff (1901), a fascinating masterpiece rich in dramatic colours, lyrical inspiration, and dazzling virtuosity.
Sheliak è una stella della costellazione della Lira, che per i tre componenti del Trio rappresenta l’unione fra gli archi e il pianoforte.
Fedele alla sua storia, il nostro Festival presenta ogni anno solisti o gruppi strumentali che si sono segnalati fra i migliori e promettenti delle nuove generazioni. Insignito del Premio Abbiati 2024 della critica italiana, premiato in numerosi concorsi internazionali, fra cui il Joseph Joachim (2025), il Trio Sheliak si è già esibito in numerosi festival tra cui Flanders Festival Ghent, I concerti della Cappella Paolina al Quirinale, Lingotto Musica, Amici della Musica di Firenze, Società dei Concerti di Trieste, Les Jardins Musicaux, Bühnen Bern, Piano Trio Fest e KKL Luzern. Nel 2024 ha fatto il suo debutto in Cina con una tournée di concerti tra Beijing e Chongqing.
Sabato 11 luglio ci presenta un programma che si apre con il Trio Sonata H 573 di Carl Philipp Emanuel Bach, considerato uno degli iniziatori della musica strumentale moderna. Approfondì la Sonata bitematica in senso poetico-espressivo, dando fondamentale contributo alla sua maturazione come forma classica per eccellenza. La sua opera influì su Haydn, di cui ascolteremo il Trio Hob. XV:29 tra i più belli e significativi del suo catalogo.
I nostri tre artisti si congederanno con l’esecuzione di un caposaldo della letteratura romantica per trio, ovvero il Trio op. 80 di Robert Schumann.
Sheliak is a star in the constellation of Lyra and, for the three members of the ensemble, symbolizes the union of strings and piano. Faithful to its tradition, our Festival presents each year soloists and chamber groups who have distinguished themselves among the most talented and promising artists of the younger generation. Winner of the 2024 Abbiati Prize, awarded by the Italian music critics, and laureate of numerous international competitions, including the Joseph Joachim Competition (2025), the Sheliak Trio has already performed at many prestigious festivals and concert series, including the Flanders Festival Ghent, I Concerti della Cappella Paolina al Quirinale, Lingotto Musica, Amici della Musica di Firenze, Società dei Concerti di Trieste, Les Jardins Musicaux, Bühnen Bern, Piano Trio Fest, and KKL Luzern. In 2024, the ensemble made its debut in China with a concert tour between Beijing and Chongqing.
The programme opens with the Trio Sonata H 573 by Carl Philipp Emanuel Bach, widely regarded as one of the pioneers of modern instrumental music. Bach developed the two-theme Sonata form with remarkable poetic and expressive depth, making a fundamental contribution to its evolution into the quintessential Classical form. His work exerted a profound influence on Joseph Haydn, whose Trio Hob. XV:29, one of the finest and most significant works in his chamber music catalogue, will also be featured in the programme. The three artists will conclude the evening with a cornerstone of the Romantic piano trio repertoire: Robert Schumann’s Piano Trio Op. 80, a masterpiece that combines passionate lyricism, emotional intensity, and masterful interplay among the instruments.
Definito dal Washington Post «uno degli interpreti più naturali che si possano ascoltare su un palcoscenico di musica classica», Jean Rondeau è un vero ambasciatore internazionale del suo strumento. Il suo straordinario talento e il suo approccio innovativo al repertorio per tastiera gli hanno valso il riconoscimento della critica, imponendolo come uno dei principali clavicembalisti della sua generazione. Suona nelle sale più prestigiose del mondo, tra cui Carnegie Hall di New York, Wigmore Hall di Londra, Philharmonie di Parigi, Elbphilharmonie di Amburgo, e Concertgebouw di Amsterdam.
Il concerto che si terrà Mercoledì 15 luglio presso la Basilica dell’Isola di San Giulio, dalla magnifica acustica, si preannuncia un evento unico. Il programma prende le mosse con la musica di Louis Couperin (a 400 anni dalla nascita), la cui semplicità arriva diritta al cuore. Con una naturalezza inconfondibile, la sua musica scorre libera esplorando territori musicali nuovi e linguaggi inediti, grazie anche all’invenzione di uno stile completamente nuovo di notazione «non misurato», ovvero privo di battute e di indicazioni precise della durata delle note, costringendo l’interprete a sviluppare una retorica semi-improvvisata. Il concerto prosegue come un viaggio attraverso la musica di altri tre grandi maestri francesi: da Jean-Philippe Rameau, che gettò le basi della moderna armonia tonale, a François Couperin, ricordato anche per uno dei primi trattati di prassi esecutiva del ’700 (L’Art de toucher le clavecin), fino a Pancrace Royer, particolarmente noto per la sua musica spesso stravagante e virtuosistica.
Described by The Washington Post as «one of the most natural performers one can hear on a classical music stage», Jean Rondeau is a true international ambassador of his instrument. His talent and innovative approach to keyboard repertoire have earned him widespread critical acclaim, establishing him as one of the leading harpsichordists of his generation. He performs in some of the world’s most prestigious venues, including Carnegie Hall in New York, Wigmore Hall in London, the Philharmonie de Paris, Hamburg’s Elbphilharmonie, and Amsterdam’s Concertgebouw.
This recital promises to be a truly unique event. The programme begins with Louis Couperin, whose 400th birth anniversary is celebrated this year. With unmistakable naturalness, his compositions flow freely, exploring new musical territories and innovative forms of expression. This is due in part to his invention of a completely new «unmeasured» notation style, devoid of bar lines and precise rhythmic indications, requiring the performer to develop a semi-improvised rhetorical approach. The concert continues as a journey through the music of three other great French masters: from Jean-Philippe Rameau, who laid the foundations of modern tonal harmony, to François Couperin, remembered not least for writing one of the earliest and most influential eighteenth-century treatises on keyboard performance practice, L’Art de toucher le clavecin, and finally Pancrace Royer, particularly renowned for his often eccentric and highly virtuosic music.
Anche Orta Festival si unisce ad altre realtà italiane ed europee invitando Bruno Canino in occasione dei suoi 90 anni. Straordinario pianista italiano, che non ha bisogno di presentazioni, protagonista da oltre settant’anni della vita musicale in Italia e nel mondo. Accanto a lui la pianista Raffaella Damaschi, sua ex allieva e già sua partner in diverse occasioni.
Il programma del concerto di Venerdì 17 luglio guarda ad alcune tra le più raffinate pagine scritte per pianoforte a quattro mani celebrando György Kurtág, un gigante della musica d’oggi, con le sue magnifiche trascrizioni dei Preludi Corali di Bach, che ne amplificano la dimensione meditativa e tre estratti da Játékok (il ciclo pianistico che Kurtág ha sviluppato nel corso di decenni). Ascolteremo anche il Rondò D 951, l’ultima opera di Franz Schubert per pianoforte a quattro mani (Vienna, giugno 1828), ulteriore testimonianza della sua grande ispirazione melodica, e i 16 Valzer op. 39 di Brahms dedicati a Hanslick, in cui vi è tutto l’amore di questo compositore per questa forma di danza. Infine la fantasia e tenerezza di Dolly op. 56, Suite in sei movimenti, unico lavoro per pianoforte a quattro mani di Fauré.
Orta Festival joins many other Italian and European institutions in celebrating Bruno Canino on the occasion of his 90th birthday. An extraordinary Italian pianist who needs no introduction, he has been a leading figure in musical life in Italy and around the world for more than seventy years. Joining him will be pianist Raffaella Damaschi, his former student and partner on several previous musical occasions.
The programme features some of the most refined masterpieces written for piano four hands, while also paying tribute to György Kurtág, one of the giants of contemporary music. His magnificent transcriptions of Bach’s Chorale Preludes enhance their meditative dimension, alongside three excerpts from Játékok, the piano cycle that Kurtág has developed over the course of several decades.
The audience will also hear the Rondo in A major D 951, Franz Schubert’s final work for piano four hands (Vienna, June 1828), a further testament to his inexhaustible melodic inspiration, and Brahms’s 16 Waltzes Op. 39, dedicated to Hanslick, in which the composer’s deep affection for this dance form shines through. Finally, the programme closes with the imagination and tenderness of Dolly Op. 56, Fauré’s six-movement Suite and his only work for piano four hands.
Le note del concerto di chiusura di questa XXVI Edizione tornano a invadere le volte della Basilica dell’Isola di San Giulio, con un programma che vede in cartellone due capolavori del repertorio per quintetto d’archi. Cinque musicisti beniamini del nostro Festival, che negli anni ci hanno regalato momenti di grande emozione, tornano a riunirsi: i violini di Ivan Rabaglia e Igor Cantarelli, le viole di Eleonora De Poi e Francesco Fiore e il violoncello di Matteo Pigato.
Domenica 19 luglio il concerto si aprirà con l’ariosa luminosità di uno dei vertici della produzione cameristica di Wolfgang Amadeus Mozart, il Quintetto K 515. A differenza della sterminata produzione quintettistica di Boccherini o del Quintetto con due violoncelli di Schubert, i Quintetti mozartiani comprendono, in aggiunta alla formazione «classica» del quartetto, una seconda viola, probabilmente a causa della predilezione nutrita dal compositore per questo strumento e per le voci intermedie. Il Quintetto op. 111 di Brahms, con il quale «finiremo in bellezza» questa XXVI Edizione di Orta Festival, è uno dei sommi capolavori della musica da camera, come scrisse Eduard Hanslick nella recensione che fece alla prima esecuzione dell’opera (1890), parlando di «prorompente freschezza di ispirazione degna di un trentenne, fusa all’assoluto magistero compositivo».
The closing concert once again fills the vaults of the Basilica of San Giulio Island with music, featuring two masterpieces of the String Quintet repertoire. Five musicians much loved by our Festival audience, who over the years have given us unforgettable moments of musical emotion, come together once again for this special occasion: the violins of Ivan Rabaglia and Igor Cantarelli, the violas of Eleonora De Poi and Francesco Fiore, and the cello of Matteo Pigato.
The concert will open with the radiant and spacious beauty of one of the supreme achievements of Mozart’s chamber music output, the String Quintet K 515. Unlike the vast number of String Quintets composed by Boccherini or Schubert’s famous String Quintet with two cellos, Mozart’s Quintets add a second viola to the traditional string quartet formation, most likely reflecting the composer’s particular fondness for the instrument and for the richness of the inner voices. Brahms’s String Quintet Op. 111, with which we shall bring this edition of Orta Festival to a splendid conclusion, is one of the greatest masterpieces of chamber music. In his review of the work’s premiere in 1890, the critic E. Hanslick praised its «overflowing freshness of inspiration worthy of a thirty-year-old, combined with absolute compositional mastery». A fitting and magnificent finale to this year’s Festival.
I concerti avranno inizio alle ore 21.00 ad eccezione di quelli di Venerdì 3 luglio, Mercoledì 15 luglio e Domenica 19 luglio presso la Basilica dell’Isola di San Giulio, che inizieranno alle ore 20.30.
